Conceptos (II): Formatos vectoriales e imágenes

En esta segunda publicación de nuestro particular glosario, vamos a hablar de varios formatos de archivos. Para mucha gente es dudoso en ocasiones saber en qué formato se debe enviar un logotipo o una fotografía, y por qué a veces estos se pixelan, por ejemplo.
¡Hoy os lo vamos a intentar aclarar!

Lo primero que deberíamos tener claro es que este tipo de archivos pueden ser de dos clases: vectoriales o mapa de bits.

¿Qué es un elemento vectorial?

Un elemento vectorial se trata de un conjunto de curvas, líneas o ejes definidos matemáticamente que forman figuras.
Las ilustraciones o imágenes vectoriales ofrecen muchas posibilidades a la hora de redimensionarlas o mover sus elementos, ya que al componerse de objetos independientes, la imagen no se distorsiona ni pierde calidad visual.vectores-01.jpg

A la hora de diseñar, por ejemplo, un logotipo, éste se crea de manera vectorial, para que cuando haya que incluirlo en las diferentes aplicaciones de la marca, no existan problemas a la hora de escalarlos e integrarlos sin que pierda calidad

¿Qué es un mapa de bits?

Se trata de las imágenes que no están vectorizadas. Una imagen se compone a partir de puntos (píxeles) dispuestos en forma de rectángulo (raster).

Cada píxel contiene un color concreto, de manera que la combinación de todos esos píxeles de colores hace que veamos las imágenes. Un mapa de bits tiene una gran limitación: no puede (o no debería) ser reescalado, pues su tamaño depende de la cantidad de píxeles que posea. Su ampliación siempre conlleva una pérdida de calidad.

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Entonces, ¿cómo debo enviar mis archivos?

Cuando queremos enviar un logotipo, para realizar cualquier diseño o adaptación, tenemos que procurar que éste siempre esté en un formato vectorial: .pdf  o .eps son los formatos vectoriales más comunes para poder abrir con casi cualquier programa para editarlos

Si lo que queremos enviar es una imagen o fotografía, debemos procurar que ésta tenga la suficiente calidad, dependiendo del tamaño al que queramos visualizarla. Ésta debería estar en .jpg o en .png. Intentando enviar este archivo tal cual, evitando enviarla insertada en un Documento de Word, pues este programa suele disminuir la resolución de las imágenes que se le adjuntan.

 

 

 

 

 

Conceptos (I): Diseño UX/UI

Hoy en el blog de Oklok iniciamos una nueva sección de publicaciones titulada Conceptos.
Y es que muchas veces nos encontramos con nuevos términos en el mundo del diseño o la publicidad cuyo significado confundimos o desconocemos.
Esta sección, por tanto, se dedicará a crear un breve glosario de términos para poder entender mejor el lenguaje de los profesionales de este mundo.

En este primer post vamos a hablar del Diseño UX y el Diseño UI:

Diseño UX:

Las siglas UX provienen del inglés User eXperience, es decir, la experiencia del usuario. Los diseñadores encargados del Diseño UX deben centrar su trabajo en conseguir que la navegación sea totalmente satisfactoria para el target del sitio web. Es decir, se crea una primera estructura donde se define cómo será la navegabilidad y accesibilidad, antes de entrar en las temas estéticos de la página, teniendo en cuenta las necesidades del público que accederá a la web.

Diseño UI:

UI viene de Diseño de Interacción. En este punto, los diseñadores se dedican a “vestir” y dar forma física a la estructura creada por los diseñadores UX. Suele relacionarse más con el diseño gráfico, pues es el momento en el que se eligen los colores, tipografías y contenidos, entre otras cosas, cumpliendo con los requisitos del cliente o marca en concreto.

Si algo nos queda claro, es que ambas formas de diseño deben ir siempre de la mano a la hora de diseñar una web, para que esta no sea solo visualmente atractiva e impactante, sino que su navegabilidad sea la adecuada para cumplir su objetivo.

Jerarquía y Composición

Cuando comencemos un proyecto que conlleve algo de diseño, es muy importante determinar ciertos conceptos visuales antes de empezar . Por ejemplo, entender cuál es la jerarquía que vamos a seguir dentro del proyecto, entendiendo los puntos que deberán ser visualmente más destacados.

Y la teoría es fácil, pero a la hora de llevarlo a la práctica, no tanto. Aquí van unos trucos y métodos para que, visualmente, nuestro proyecto cumpla con el orden jerárquico de una manera eficiente, destacando lo realmente importante.

1. El orden de la lectura:

Nuestra cultura nos ha enseñado desde pequeños que nuestra vista debe ir de izquierda a derecha y de arriba hacia abajo, y es algo que tenemos que tener en cuenta a la hora de diseñar: los elementos que se sitúen arriba se leerán antes que los que coloquemos
debajo. En el primer ejemplo queda patente este hecho: incluso siendo el último elemento cuatro veces mayor al primero, nuestra vista lo deja para el último lugar.

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Lo mismo pasa en este segundo ejemplo. En la primera figura veremos un rombo a la izquierda y seguidamente otro a la derecha. Necesitaremos recurrir a un truco como la superposición para invertir nuestro orden de lectura.

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2. El tamaño:

Quizá este punto sea de los que menos explicación necesitan. Tal y como observamos en la imagen, dar a un elemento un tamaño visiblemente superior lo colocará al principio del recorrido que nuestra vista haga por el diseño.

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3. El color:

El uso de los colores puede favorecer tanto la mayor visibilidad como la ocultación de ciertos elementos y da mucho juego a la hora de diseñar.

Cuando queremos destacar un elemento con el color, usar un color que se encuentre fuera de la gama utilizada funcionará.

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Sin embargo, en un diseño con varios colores, el color negro suele ser el que se sobrepone al resto.

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4. La forma o composición:

Romper con la homogeneidad y estructura básica del diseño es una buena forma de destacar elementos, pues nuestra vista tiende a ir hacia los puntos más estridentes de un diseño monótono.

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5. La ubicación:

La ubicación de los elementos dentro de una página es una de las grandes herramientas de jerarquización. Agrupar y excluir elementos es una buena forma de destacar o esconder información.

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Cuándo rediseñar vuestra página web

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Si vuestra página web se ha quedado cierto tiempo estancada con un mismo diseño, es probable que éste necesite ser renovado y adaptado a nuevas tendencias o funcionalidades, puesto que el mundo digital está en constante cambio.

Os vamos a hablar de los motivos principales por los que se le debería dar una pequeña vuelta a una página web:

   1. Imagen e identidad:

Una página web responde a una empresa, persona o marca, y el diseño y valores de la página deben ser fieles a la entidad que quiere representar. Rediseñar una página puede significar darle un buen lavado de cara a la imagen de una marca.  Dentro de este punto, habría que valorar cambios de:

  • Imágenes o ilustraciones: estas deben transmitir tus valores, ser de una calidad aceptable (siempre pensando en resolución de pantalla) y ser acordes con el contenido de la web. Una forma sencilla es buscar en bancos de imágenes, donde existen un sinfín de recursos.
  • Imagen corporativa: es importante actualizar una web cuando existan cambios en la representación gráfica de tu empresa. Un cambio de logotipo debería incluir una vuelta a la página web, por ejemplo. Así como adaptar las tipografías, colores, formas…

   2. Diseño y estructura:

Un buen motivo para rediseñar una web es que ésta ha quedado desfasada, tanto visualmente, como en su lenguaje de programación. Esto último puede influir en una estructura muy pesada con mucho tiempo de carga de contenidos.

Lo que está claro es que las tendencias digitales van cambiando, y tener una web estéticamente atractiva la hará mucho más visible y navegable para los usuarios.

   3. Adaptabilidad:

Un caso muy común es el de las páginas web sin diseño responsive. Es decir, con un diseño creado únicamente para pantalla de ordenador, sin una correcta visualización para otros dispositivos, lo que hace que la navegación desde smartphones o tablets sea complicada e incómoda.

Es muy importante tener una web adaptada para los usuarios móviles, dado que la mayor parte del tráfico viene dado por estos dispositivos.

   4. Contenidos:

Es probable que, si llevas tiempo sin actualizar tu web, también los contenidos estén algo desactualizados o necesiten un nuevo enfoque. Esto es importante, no solo para los usuarios, sino para el posicionamiento SEO. Pues Google da cierta prioridad a los contenidos actualizados.

   3. Crecimiento y desarrollo:

Cualquier tipo de crecimiento o expansión de negocio, debe tener su referencia dentro de tu página web, para demostrar que se trata de una empresa activa y con movimiento.

En este punto también hablamos de dar el salto a nuevas experiencias como ventas por internet, donde la página necesitaría una tienda online.

 

Sin duda, hay muchos motivos para replantearse un nuevo diseño o estructura de la página web de tu empresa. Por supuesto, os recomendamos elegir a profesionales que tengan claro los cambios, valores e imagen que vuestra web necesita.

Y, si esto os anima a dar el paso, en Oklok estaremos más que dispuestos a ayudaros y aconsejaros para conseguir la web que más se adapte a vuestras necesidades o de vuestra empresa.

Evolución del Diseño Gráfico (Parte V.II)

“Si le preguntamos a cualquier historiador qué década del S. XX le parece más importante en cuanto a progreso del desarrollo social, es probable que nos diga que la de 1960: la generación joven se cansó de imitar el estilo de vida y las aspiraciones de sus  padres y se dispuso a liberarse del conservadurismo de sus semejantes, y el diseño gráfico iba a tener un papel esencial para llevar su mensaje al mundo”.

A principios de la década de 1960 los gustos, más bien serios y austeros, a los que la gente se había acostumbrado estaban declinando: una nueva sociedad de jóvenes, instruidos con conciencia política, se convertiría en la fuerza motriz de la mayor revolución cultural en generaciones. La subcultura juvenil acogió el diseño gráfico como un medio de difundir sus mensajes de manera global.

00-warhol-The-banana-albumArte Pop: los orígenes del arte pop tienen dos raíces casi simultáneas: Londres y Nueva York, era un brillante movimiento que tuvo importantes influencias e el diseño gráfico y supuso un desafío contra las tradicionales bellas artes. Se extendió rápidamente como movimiento y por sus referencias directas a elementos culturales y su uso en publicidad, periódicos, revistas o cómics. El diseño gráfico producido en este periodo reconocía la idea de una prosperidad recién asumida y la opulencia que emanaba de EEUU. Uno de los artistas Pop más reconocidos en nuestra época es Andy Warhol.

El diseño gráfico se extendía a cualquier forma de comunicación, y entre la cultura juvenil de la época (principal creadora y receptora), podemos relacionarlo directamente con el mundo de la música. Siguen siendo conocidos los carteles de Rock psicodélicos creados por Wes Wilson. O los pósters creados por Push Pin Studios, que crearon un estilo ecléctico propio.cc5295f672e96013e0ae99eb9b29c9f6s446301314523352943_p20_i1_w537

Evolución del Diseño Gráfico (Parte V.I)

LOS PADRES DEL DISEÑO ACTUAL

Es durante los años 50 y 60 cuando se fraguan los grandes nombres del diseño que, no solo perduran hasta hoy, sino que han sido grandes influencias para el diseño que se realiza en la actualidad.
Nueva York se ha convertido en el centro cultural del mundo y allí llega la primera oleada de diseño moderno y vanguardismo europeo, creándose nuevas formas y conceptos de diseño gráfico.
La originalidad del concepto fue muy apreciada y los diseñadores buscaban solucionar problemas de comunicación. Herb Lubalin, cofundador de la empresa tipográfica internacional ITC, denominó esta época como “Escuela Estadounidense del
Expresionismo Gráfico”.
ibmUno de los primeros diseñadores en esta tendencia fue Paul Rand. Quien “analizaba el contenido de la comunicación reduciéndolo a una esencia simbólica.” Comenzó su carrera realizando portadas de revistas rompiendo con la forma tradicional y con una gran habilidad para manipular la forma visual.
Alvin Lustig fue un diseñador gráfico y de interiores que incorporó su visión subjetiva y un juego muy personal con diseños geométricos y abstractos “Creyendo en la importancia de la pintura para el diseño y en la enseñanza del diseño, consideró la búsqueda de la pureza del artista a través de símbolos privados como una fuente para los símbolos públicos creados por el diseñador. Se fue involucrando cada vez más en la enseñanza hasta que su vista comenzó a deteriorarse, pero continuó enseñando y diseñando hasta su muerte”.
alexAlex Steinweiss aplicó la sensibilidad del diseño moderno a las portadas de discos buscando formas visuales para mostrar la música de manera informal. Destaca en el mundo del diseño por sus ilustraciones y tipografías.

Evolución del Diseño Gráfico (parte IV)

CAMBIO DE CONTINENTE
Sin título-1Tras el período de guerras y las inestabilidades políticas y económicas que dejaron devastada a Europa, hubo una oleada de emigración a Estados Unidos. Es por eso que el centro artístico se desplazó a Nueva York. Y no solo fue el arte, también el Diseño Gráfico, quien encontró un nuevo hogar y un lugar donde lograr su pleno desarrollo.
En Estados Unidos, se vive un importante choque cultural del que surgen movimientos y técnicas solo posibles tras esa convivencia y apertura de mentes.
Así, allí los diseñadores castizos de la época, como Earl Moran, se nutren de la llegada del diseño europeo, que llega con diseñadores como Raymond Loewy, G. Kepes o V. Bobrizky.
El diseño gráfico en esta época empieza a crear su nueva identidad, basada en la multiculturalidad y la multitécnica. Los años 50 marcan el nacimiento de grandes escuelas de diseño, así como de potentes agencias y estudios de prestigio aún existentes.
Esta etapa sigue formada e influenciada por creativos como Walt Disney, creador de personajes indispensables en el diseño americano, el artista Joseph Binder, creador de famosos carteles, y los diseñadores de la cadena Condé Nast (formada, entre otras, por las revistas Vogue y Vanity Fair).
“Los profesionales de Condé Nast proceden en su mayoría de Europa, y reflejan en su obra toda la elegancia y el esplendor sofisticado de un mundo decadente, lleno de esa cualidad inaprensible que los franceses denominan glamour. Mehemed Fehmy Agha, Erté y Alexey Brodovitch figuran entre los principales cultivadores de ese estilo, aplicado tanto a la obra gráfica como a los decorados y vestuarios teatrales y cinematográficos.”
Es en casos como este en los que podemos encontrar los choques culturales y de estilo entre ambos continentes, cuando a un Estados Unidos con ansias de nuevos estilos y en la búsqueda de una identidad artística llegan diseñadores o empresas con la personalidad sofisticada que podían tener revistas como Vogue, la cual ya llevaba una gran trayectoria en Estados Unidos, pero el contacto con diseñadores europeos provocó un claro enriquecimiento en las técnicas y estilos.vogue